PROGRAMA: El arte contemporáneo y un centro de arquitectura, espacios de exposiciones temporales CLIENTE: Ministerio italiano de Cultura, Roma, Italia Fundación MAXXI TAMAÑO: 30000 m2 CONCEPTO: MAXXI significa Museo de Arte del siglo 21o. Es el primer museo público italiano dedicado a la creatividad contemporánea, las artes y la arquitectura. La idea de construir un centro de arte contemporáneo y la arquitectura se remonta a principios de 1998 con el Ministerio italiano de Cultura, Patrimonio deseo de asegurar las grandes tradiciones culturales del pasado de Italia no se debe negar una perspectiva de continuidad en el futuro. El MAXXI fue concebido para promover las expresiones artísticas de hoy - que se convertirá en patrimonio cultural del mañana. Como finalidad no sólo como lugar de exposición de arte, el MAXXI También se había previsto como un taller de investigación para los diferentes lenguajes contemporáneos del diseño, la moda y el cine de establecer un diálogo con el arte y la arquitectura - su misión cultural inspirada en tres palabras clave: la innovación, el multiculturalismo y interdisciplinario. El concepto de diseño para el MAXXI era alejarse de la idea del museo como "un objeto" y hacia la idea de "un campo de edificios accesibles para todos. Después de muchos estudios, nuestra investigación se convirtió en el concepto de la confluencia de las líneas, donde la fuerza principal del sitio son las paredes que constantemente se cruzan y por separado para crear los espacios interiores y exteriores. El plan se suma a las dos redes urbanas que regulan el urbanismo de la zona y la nueva interpretación de estas redes genera la complejidad geométrica de la escuela. Las paredes de la MAXXI crear grandes ríos y arroyos menores. Las principales corrientes son las galerías, y los arroyos menores son las conexiones y los puentes. El sitio tiene una huella única en forma de L que serpentea entre los edificios existentes. En lugar de ver esto como una limitación, lo usamos para nuestro beneficio, tomándolo como una oportunidad para explorar las posibilidades de estructura lineal de agrupación, torcer, y la creación de masa en algunas áreas y la reducción en los demás - la creación de un centro cultural urbano donde una textura densa de los espacios interiores y exteriores han sido entrelazados y superpuestos unos sobre otros. El contratista proporciona soluciones integrales de construcción de las propuestas técnicas presentadas en fase de licitación - con la contribución directa de todos los sectores involucrados en la realización de los componentes. Las especificaciones individuales de los materiales se redujo al mínimo a favor de una estrategia integrada, garantizando la coordinación precisa de materiales de construcción y los métodos necesarios para desarrollar las líneas de producción a medida para el contrato. Para la continuidad, las paredes de la MAXXI fueron arrojados en el lugar en el hormigón autocompactante, lo que representa uno de los aspectos más difíciles del proceso de construcción - con moldes de hasta 50 metros de longitud. El encofrado de hormigón que participan de la coordinación de la fundición directrices emitidas por Zaha Hadid Architects, con la dirección del centro directamente responsable de la planificación estructural de la carpintería, la realización de los sistemas de encofrado fuera de estándar, el diseño de la mezcla del hormigón, y los aspectos críticos de por el hormigón.
PROGRAM:
Contemporary art and architecture centre, temporary exhibition spaces CLIENT:
Italian Ministry of Culture, Rome, Italy
Fondazione MAXXI SIZE:
30000 m2 CONCEPT:
MAXXI stands for Museum of 21st Century Arts. It is the first Italian public museum devoted to contemporary creativity, arts and architecture. The idea of building a centre for contemporary arts and architecture dates back to early 1998 with the Italian Ministry for Cultural Heritage desire to ensure the great cultural traditions of Italy’s past should not be denied a prospect for continuity in the future. The MAXXI was conceived to promote today’s artistic expressions – which will become tomorrow’s cultural heritage. Intended not only as place to exhibit art, the MAXXI was also planned as a research workshop for different contemporary languages of design, fashion and cinema to establish a dialogue with art and architecture – its cultural mission inspired by three key words: innovation, multiculturalism and interdisciplinary.
The design concept for the MAXXI was to move away from the idea of the museum as ‘an object’ and towards the idea of ‘a field of buildings’ accessible to all. After many studies, our research evolved into the concept of the confluence of lines, where the primary force of the site is the walls that constantly intersect and separate to create both indoor and outdoor spaces. The plan aligns itself with the two urban grids that regulate the town planning of the area and the new interpretation of these grids generates the geometrical complexity of the campus. The walls of the MAXXI create major streams and minor streams. The major streams are the galleries, and the minor streams are the connections and the bridges. The site has a unique L-shaped footprint that meanders between existing buildings. Rather than seeing this as a limitation, we used it to our advantage, taking it as an opportunity to explore the possibilities of linear structure by bundling, twisting, and building mass in some areas and reducing it in others – creating an urban cultural centre where a dense texture of interior and exterior spaces have been intertwined and superimposed over one another.
The contractor provided integrated construction solutions from the technical proposals presented at tender stage – with direct contribution of all sectors involved in the completion of components. The individual specification of materials was minimized in favour of an integrated strategy, ensuring the precise coordination of construction materials and methods required to develop the bespoke production lines for the contract. For continuity, the walls of the MAXXI were cast on-site in self-compacting concrete, representing one of the most challenging aspects of the construction process – with casts up to 50m long. The concrete shuttering involved the coordination of casting guidelines issued by Zaha Hadid Architects; with the site management directly responsible for the structural planning of the joinery, the completion of off-standard formwork systems, the design mix of the concrete, and the critical aspects of laying the concrete.
Logorama es el cortometraje ganador en el género de animación de los premios Óscar 2010. Tiene 17 minutos de duración y mucho diseño gráfico, patrocinadores y acción. Consiste en un mundo paralelo creado con logotipos del mundo real y personajes de diferentes marcas (el muñeco de Michelin, el payaso Ronald McDonald, Mr. Pringle y otros).
El corto llevo 6 años de trabajo y está basado en una idea original. Los directores forman parte de H5, un importante estudio de diseño de Francia. La película debutó originalmente en el Festival de Cine de Cannes, donde ganó el honor al Mejor Cortometraje en Competencia de la Semana de la Crítica. Su director dijo:
“La primera vez que me vino esta idea fue después de realizar el videoclip El niño. Lo hice con Antoine Bardou Jaquet en 1999. Diseñamos un mundo en el que sólo había tipografías. Nuestra compañía de producción de aquella época, Mini Minuit, nos propuso hacer un clip para el grupo francés Telepopmusic. Ya entonces propuse hacer un corto con logotipos americanos y rusos. La idea era establecer un duelo Este-Oeste mediante sus logos y expresar así el choque entre las 2 culturas y las 2 superpotencias. Pero el proyecto hizo aguas.
Durante 2 años trabajé con mi hermano Cyril Houplain en la búsqueda de logos de distintas épocas y durante un año el proyecto quedó en stand-by. Después de una ceremonia de MTV nos propusimos hacer un clip para George Harrison. El quería un videoclip que criticara la sociedad de consumo. Después readaptamos la idea con Hervé de Crécy y la ambientamos en Nueva Orleans. La ciudad constituida completamente por logotipos era arrasada por un ciclón. Las calles quedaban inundadas, los logos eran arrancados de su lugar y arrastrados por la corriente.
La compañía discográfica quedó encantada con el trabajo pero nos preguntó: ¿Cómo podéis hacer para diseñar todos estos logotipos falsos? Y nosotros dijimos que no tenía ningún sentido si los logos no eran reales. Cuando George Harrison murió, pensé que era el momento de retomar la idea y no venderla jamás. H5 produciría la película. Nicolas Rozier y yo buscamos a los productores capaces de hacer una película así sin ningún tipo de censura. Dimos con Nicolas Schmerkin, de Minuit Production, y junto a él encontramos a los partners financieros, Mikros Images, Addict y Canal+.”
Roadsworth comenzó a pintar las calles de Montreal en el otoño de 2001. Inicialmente, motivados por un deseo de más carriles-bici en la ciudad y un cuestionamiento de la "cultura del automóvil" en general, continuó desarrollando un lenguaje en torno a las marcas de la calle y otros elementos del paisaje urbano utilizando una técnica basada principalmente plantilla. En el otoño de 2004, Roadsworth fue arrestado por sus actividades nocturnas y acusado de 53 cargos de la travesura. A pesar de la amenaza de fuertes multas y antecedentes penales, recibió una sentencia relativamente indulgente que él atribuye en parte al apoyo público que recibió con posterioridad a su detención. Desde entonces, Roadsworth ha recibido diversas comisiones por su trabajo y sigue siendo activo en el arte visual y música.
Roadsworth began painting the streets of Montreal in the fall of 2001. Initially motivated by a desire for more bike paths in the city and a questioning of "car culture" in general, he continued to develop a language around street markings and other elements of the urban landscape using a primarily stencil based technique. In the fall of 2004, Roadsworth was arrested for his nocturnal activities and charged with 53 counts of mischief. Despite the threat of heavy fines and a criminal record he received a relatively lenient sentence which he attributes in part to the public support he received subsequent to his arrest. Since that time, Roadsworth has received various commissions for his work and continues to be active in both visual art and music.
En esta ocacion les recomiendo al artista Herman Kolgen con su obra en video INJECT, y bueno las concluciones como siempre son suyas.
INJECT Prix Ars Electronica 2010 / Mención de Honor
Un cuerpo humano se inyecta en una cisterna. En el transcurso de 45 minutos, la presión del líquido ejerce sobre él múltiples transformaciones neurosensorial. De su fibra epidérmica de su sistema nervioso, reacciona a la afluencia de la viscosidad en esta cámara de líquidos. Su corteza, a falta de oxígeno, poco a poco pierde toda noción de lo real. Como un conejillo de indias: un cuerpo de materia-cuyos estados psicológicos son el objeto de Kinetik cuadros, de los singulares espacios temporales. La génesis de la principal materia visual para este proyecto fue un tiroteo, en un inmenso pozo lleno de agua, que duró seis días consecutivos. Y eso tuvo que ser sumergido por más de ocho horas al día en el tanque de vidrio, oscilando entre la ingravidez y la falta de oxígeno. Con la ayuda de la grabación de varios video digital y sistemas fotográficos Kolgen reunido muchas series de secuencias temporales, las imágenes que se integra en un cuerpo flexible y modular. Es una cuestión de una progresión narrativa, en los círculos de influencia y perpetuo movimiento, donde lo real se encuentra en desplazamiento. Inyectar es una actuación modular en formato de vídeo HD y audio multicanal.
HERMAN KOLGEN
Es conocido por sus creaciones multimedia para más de veinte años, Herman Kolgen es un artista multidisciplinar que vive y trabaja en Montreal. Un escultor audiocinetic cierto, que saca su materia prima de la íntima relación entre el sonido y la imagen. Kolgen trabaja para crear objetos que asumen la forma de las obras de instalaciones, video y cine, performances y esculturas sonoras. Explorando constantemente, que trabaja en las junturas de los diferentes medios de comunicación, así como la elaboración de un nuevo lenguaje técnico y estético singular.
Su trabajo es multifacético, sobre todo, que se caracteriza por un enfoque radiográfico de impresiones y estímulos neurosensoriales. Es este efecto de rayos X, con su calidad inmaterial, que permite a los invisibles a la vista: la intensidad de las reacciones internas sensibles. Inspirado por esta tensión, tan brutal como es frágil, construye fisiones recurrente narrativa en la que la fricción temporal constituye el epicentro de su obra. Por el contrario, la noción de lo orgánico está en el centro de sus preocupaciones conceptuales. Combinados y asociados a la digital y la electrónica a través de un trabajo de sensibilidad extrema, esta última es entonces desviada hacia formas híbridas e indeterminado.
Su práctica de instalación también integra un trabajo vital de espacialización, en particular en relación con la del sonido. La creación y el uso de sistemas aleatorios de autogenerative imagen / sonido también permite la creación de espacios audiophonic marcados por su calidad de inmersión. Notables son también numerosas colaboraciones Herman Kolgen con compañeros artistas de audio y electrónica / compositores de música electroacústica (Taylor Deupree, AGF, Sawako, Akira Rabelais, etc.)
PRIX ARS ELECTRONICA 2010 / HONORARY MENTION
A human body is injected in a cistern. Over the course of 45 minutes, the pressure of the liquid exerts upon him multiple neurosensorial transformations. From his epidermal fiber to his nervous system, he reacts to influxes of viscosity in this liquid chamber. His cortex, lacking oxygen, gradually loses all notions of the real. Like a human guinea pig: a matter-body whose psychological states are the object of kinetik tableaux, of singular temporal spaces.
The genesis of the principal visual material for this project was a shoot, in an immense cistern filled with water, which lasted six consecutive days. Yso had to be immersed for over eight hours a day in the glass tank, oscillating between weightlessness and lack of oxygen. With the aid of various digital video recording and photographic systems Kolgen assembled many series of temporal sequences, images that he then assembled into a flexible and modular body. It’s a matter of a narrative progression, in perpetual circles of influence and movement, where the real is in dislocation.
INJECT is a modular performance in VIDEO HD format and multichannel audio.
SELECTED PERFORMANCES:::
TAIPEI_TAICHUNG_BRUXELLES_
FRANCE_MONTREAL_URUGUAY_ARGENTINA_PORTUGAL_ENGHEIN
ESPAGNE_ITALIA_AUTRIA_PHILIPPINES_NETHERLAND_GERMANY
CO-PRODUCTION
KOLGEN + ARCADI + CONSEIL DES ARTS CANADA
HERMAN KOLGEN
ARecognized for his multimedia creations for over twenty years, Herman Kolgen is a multidisciplinary artist who lives and works in Montreal. A true audiocinetic sculptor, he draws his primary material from the intimate relationship between sound and image. Kolgen works to create objects that assume the form of installations, video and film works, performances and sound sculptures. Constantly exploring, he works at the junctures of different media, as well as elaborating a new technical language and singular aesthetic.
His multifaceted work is, above all, characterized by a radiographic approach to neurosensory imprints and stimuli. It’s this x-ray effect, with its immaterial quality, which allows the invisible to be seen: the internal intensity of sensitive reactions. Inspired by this tension, as brutal as it is fragile, he constructs recurrent narrative fissions in which temporal friction constitutes the epicenter of his work. In contrast, the notion of the organic is at the core of his conceptual preoccupations. Combined and associated with the digital and the electronic across a work of extreme sensitivity, the latter is then diverted towards hybrid and indeterminate forms.
His installation practice equally integrates a vital work of spatialisation, notably regarding the aspect of sound. The creation and use of random systems of autogenerative image/sound also allows the creation of audiophonic spaces marked by their immersive quality. Notable also are Herman Kolgen’s numerous collaborations with fellow audio artists and electronic/electroacoustic music composers (Taylor Deupree, AGF, Sawako, Akira Rabelais, etc).
From 1996 to 2008, Herman Kolgen has dedicated the majority of his time to the duo SKOLTZ_KOLGEN. Their creations have been presented at renowned festivals and events, such as: Transmediale, DE _ ISEA 2004, (Finland-Estonia) _ Venice Biennale, IT _ Ars Electronica, AT _ Sonic Acts, NL _ Centre Georges Pompidou, FR _ Cimatics, BE _ Dissonanze, IT _ Mutek, MTL, MX _ Elektra, MTL _ Sonar, ES _ Tapei Digital Arts, CN _ Shanghai eARTS, CN.
In addition to his participation in the Venice Biennale in 2006, Herman Kolgen is the recipient of numerous prestigious prizes, including the Premier Prix “best video” from the Festival Nouveau Cinema Nouveaux Médias de Montréal, the Best Experimental Film Award from the Independent Film Festival of New York and Los Angeles, and the Prix du Conseil Général from the Festival International Vidéoforme de Clermont-Ferrand (France).
Bueno en esta ocasión le muestro algunas fotos del artista Willam Wegman, estas fotos tomadas a sus perros a los cuales en distintas situaciones y distintos ‘’trajes’’ nos podría llevar a los cuestionamientos sobre la identidad como tal
Sobre el artista …
William Wegman nació en 1943 en Holyoke, Massachusetts. Recibió una B.F.A. en la pintura de la Escuela de Arte de Massachusetts, Boston en 1965 y un MFA en la pintura de la Universidad de Illinois, Urbana-Champagne en 1967. De 1968 a 1970 enseñó en la Universidad de Wisconsin. En el otoño de 1970 se trasladó al sur de California donde enseñó por un año en la Universidad Estatal de California, Long Beach. En los años 70, Wegman estaba siendo expuesto en museos y galerías a nivel internacional. Además de exposiciones individuales en la Galería Sonnabend de París y Nueva York, la Galería de la situación en Londres y Konrad Fisher Gallery de Düsseldorf, su obra fue incluida en tales exposiciones seminales como "Cuando las actitudes Conviértete en Forma", y "Documenta V" y regularmente en Interfunktionen, Artforum y Avalanche.
Fue mientras estaba en Long Beach que Wegman consiguió su perro, Man Ray, con quien comenzó una larga y fructífera colaboración. Man Ray, conocido en el mundo del arte y más allá de su presencia impasible entrañable, se convirtió en una figura central en las fotografías Wegman y cintas de vídeo. En 1981, Man Ray murió. No fue sino hasta 1986 que Wegman tiene un nuevo perro, Fay Ray, y otra colaboración comenzó marcada por el uso extensivo Wegman de la Polaroid de 20 x 24 cámara. Con el nacimiento de la camada de Fay en 1989, emitidos Wegman de vino incluye descendientes de Fay - Battina, Crooky y Chundo - y más tarde, sus hijos: Chip Battina hijo en 1995, la bobina de Chip hijo en 1999 y Candy y su hija de la bobina de Penny en 2004. Fuera de la participación de Wegman con este elenco de personajes creció una serie de "libro inspirado por los perros 'niños habilidades diferentes de actuación: Cenicienta, Caperucita Roja, ABC, Mother Goose, Días Granja, Ciudad Mi, Fiesta Sorpresa y deseos chip a un perro (todos los Hyperion). Wegman también ha publicado una serie de libros para adultos, incluyendo mejor amigo del hombre, fotografías de moda y William Wegman de 20 x 24 (todos los Abrams) y Fay y The New York Times Bestseller cachorros (tanto de Hyperion).
Wegman ha creado obras de cine y video para Saturday Night Live y Nickelodeon y sus segmentos de video de Sesame Street han aparecido regularmente desde 1989. Sus videos son Sopa de letras, de Fay Doce Días de Navidad y Mother Goose. En 1995, el cine Wegman Los muchachos Apenas se proyectó en el Festival de Cine de Sundance. Después de un paréntesis de veinte años, Wegman volvió al formato de su trabajo en vídeo de los años 70 la producción de dos nuevas series de trabajos en vídeo en 1998 y 1999. Una colección de sus obras de vídeo seleccionado 1.970-99 fue lanzado recientemente en DVD por Artpix.
Numerosas retrospectivas de trabajo Wegman se han hecho entre ellos "El Mundo Wegman", que se inauguró en el Centro de Arte Walker en Minneapolis en 1981 y recorrió los Estados Unidos y "William Wegman: Pinturas, dibujos, fotografías, cintas de vídeo", que se inauguró en el Museo de Arte , Lucerna en 1990 viaja a los lugares de toda Europa y los Estados Unidos, incluyendo el Centro Pompidou de París y el Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York. exposiciones más recientes han incluido retrospectivas en Suecia, Japón, Corea y España y, más recientemente la exposición "funney / Extraño", que se inauguró en el Museo de Arte de Brooklyn en 2006 con un catálogo publicado por la Universidad de Yale, haciendo su última parada en el Wexner Center for the Arts, Columbus en el otoño de 2007.
William Wegman vive en Nueva York y Maine, donde sigue haciendo videos, tomar fotos y hacer dibujos y pinturas.
